Paul Nash. По ту сторону пейзажа
Вика Нова 0 Comments 2017/Январь/Февраль N158, Paul Nash, Tate Britain, Vika Nova, Вика Нова
Paul Nash. Landscape from a Dream, 1936-8. ©Tate«Существуют места, которые, так же как и люди, объекты и произведения искусства, рождают ощущение магической колдовской мистерии, неподвластной анализу».
Ретроспектива произведений одного из любимых английских художников первой половины минувшего столетия Пола Нэша в галерее Tate представляет 160 работ, созданных мастером в период с 1910-х до его ранней смерти, в 1946 году: живопись, графика, скульптура, книжные иллюстрации, коллажи, фотографии, книги и стихи. История древней Британии, уцелевшие сквозь тысячелетия сооружения и руины некогда величественных памятников ушедших в небытие религий, рукотворные и природные ландшафты Англии и морского побережья не переставали вдохновлять Нэша. Год за годом он творил свою личную мифологию, наделяя реальные пейзажи острова тайной мистической жизнью – вплавляя в них символические объекты и архитектурные конструкции, запечатлевая воспламенявшие его воображение места в пору весеннего и зимнего равноденствия, вглядываясь в них в полнолуние и когда на небе сиял лишь узкий серп молодой луны.
Львиную долю творческой жизни Нэша забрали войны: в годы Первой мировой он был призван на фронт как военный художник при министерстве королевских воздушных сил; а спустя четверть века вновь стал хроникером бойни, постигшей человечество во Второй мировой. Нэш не раз смотрел смерти в глаза, видел сотни погибших, уничтоженные селения. Невзирая на тяжелое ранение и последовавшую за ним болезнь, поднимался в небо на самолете, а потом переносил на холст увиденное: одинокие голые поля, редкие фигурки санитаров, подбирающих задушенных газом солдат. «Это невыразимо словами, безнадежно, безбожно. Я больше не художник, увлеченный, жаждущий, любопытный; я – всего лишь вестник, который должен передать слова правды о тех, кто воюет на полях сражений, тем, кто хотел бы, чтобы война длилась вечно. Может быть, весть эта будет слабой и бессвязной, но в ней будет горькая истина, и пусть она опалит их подлые грязные души», – писал Пол жене в письме с фронта. Его легкие, поврежденные в 1917 году отравляющим ипритом, так никогда и не восстановились: художник долгие годы страдал астмой, оборвавшей его жизнь в 57 лет – всего лишь год спустя после окончания Второй мировой.
Картины Нэша, посвященные обеим войнам, лишены кровавых деталей битв, но оттого не менее пронзительны. Остовы фашистских самолетов, обломки крыльев и фюзеляжей в беспорядочной тесноте громоздятся на безлюдном поле. Разбитые, изрешеченные, вгрузшие в землю или торчащие вверх – словно волны ледяного моря, застывшего под луной. Безумная стихия, разрушавшая на своем пути все живое, сама повержена и обездвижена навеки мертвым сном, превратившись в груду металла. Единственный равнодушный зритель – луна – слабыми лучами освещает это кладбище-призрак. Для Нэша эти поверженные аэропланы были не машинами – реинкарнацией дьявола, несущего смерть. Работа «Мертвое море» – один из самых сильных военных холстов художника. Основой для нее стала серия фотографий, сделанных на кладбище немецких самолетов.
Картина «Мы строим новый мир», созданная в год окончания Первой мировой, пронизана символизмом: исковерканные взрывами обгоревшие стволы деревьев, торчащие над воронками от бомб – и всходящее бледное холодное солнце, рассыпающее радиальные полосы лучей над израненной землей.
Может быть, в них еще теплится надежда?
В картинах Нэша почти нет людей, за исключением, пожалуй, ранних акварелей, а также силуэтов солдат на фоне зарева взрывов или трупов, завязших в грязи болот на ничейной земле. Но даже в этих слепках жутких гримас войны, художник больше внимания уделяет деревьям, шлемам или обломкам техники, нежели людям. Возможно, как и Тернер, он был не слишком силен в изображении человеческих лиц и фигур, но в его холстах присутствие людей и последствия их деятельности всегда инстинктивно ощущаются.
Творчество Нэша неровно. Натюрморты, пейзажи, объекты, архитектурные структуры, вымышленные композиции… Его не назовешь великим живописцем, но почему-то к холстам художника тянет вернуться вновь и вновь. Что влечет нас: неподдельная боль и страдания, затаившиеся в холстах военных лет? Странность, мистицизм и ожидание чуда или магия, которыми художник наделяет обычные, на первый взгляд, предметы и пейзажи? Отражение сферической лампы в окне ресторана или трухлявый ствол старого дерева и теннисный мяч, застывшие на вершине холма, обретают вдруг какую-то необъяснимую значительность.
Равнины и скалы, дюны и морские берега – в пейзажах Нэша природа Британии, мгновенно и безошибочно узнаваемая, остается при этом отстраненной, мистичной, полной скрытой жизни, связанной со Вселенной и космосом.
Britishness – этот термин крепко связан с именем Нэша в истории искусства. В его творчестве, особенно в ранние периоды, очевидно влияние работ Сэмюэля Пальмера, прерафаэлитов и художника и поэта Уильяма Блейка – мистика, провидца и визионера. Бунтарь Блейк, всю жизнь искавший потаенные смыслы и суть вещей, наперекор всему воспевавший и изображавший свой невидимый другим мир, не находил понимания у современников – его фонтанирующие, бьющие через край фантазии их пугали. Зато у последующих поколений художников образная система Блейка, его новаторские техники, неординарность мышления, иррациональность сюжетов и вольный рыцарский дух нашли отклик: им вдохновлялись Обри Бердслей, Фрэнсис Бэкон, Пол Нэш и другие мастера.
Нэш постоянно обращался к сердцевинным британским темам – древним сооружениям железного века в Дорсете и Оксфордшире, величественным грядам меловых скал в Саут-Даунс, «Севен Систерс», идиллическим бескрайним просторам Рамни-Марш, загадке Стоунхэнджа, полям и садам Бакингемшира. Что вовсе не исключало стремления художника к освоению опыта cсовременного европейского искусства той эпохи. Когда в 1932 году журнал The Studio опубликовал серию статей «Что не так с британским искусством?», в которых критики высказывали опасение, будто увлечение континентальными стилями типа кубизма и сюрреализма может привести к утрате британским искусством местного колорита, Нэш воспринял это как провокацию: «Нам предлагают отказаться от каких бы то ни было экспериментов и исследований; закрыть глаза на то, что есть жизненно важным в искусстве других земель – короче говоря, оставаться British… Вопрос “можно ли ‘Go Modern’, оставаясь при этом ‘British’” является сегодня темой многочисленных дебатов», – писал художник.
Впрочем, лично для Нэша решение было очевидным.
«Я не искал сюрреализм…сюрреализм нашел меня». Пол Нэш
В годы между двух войн Нэш пристально изучает авангард, переосмысливая и примеривая к своим работам творческие методы Пикассо, Кокто, Эрнста и других мастеров. Сам Нэш писал о влиянии, которое оказали на него произведения итальянского художника-сюрреалиста Джорджио Кирико, увиденные на выставке в Лондоне. Чувство мистического одиночества и затерянности, исходящее от безлюдных холстов итальянца, неожиданные объекты, которые тот помещает в обширные пустые пространства, нашли отклик в работах британца. Однако склонность к сюрреализму и метафорам в той или иной мере проявлялись и в более ранних работах Нэша. «Я пытался изображать деревья как человеческие существа», – вспоминал художник.
Blue House on the Shore, 1930-1. Oil on canvas. Tate. ©Tate The Rye Marshes ,1932. Ferens Art Gallery. ©Tate.Для популяризации современного искусства и в особенности абстракционизма и сюрреализма, Нэш сформировал группу Unit One (1933).
И хотя объединение просуществовало недолго, организовав единственную выставку, среди его участников были ведущие британские художники Барбара Хепуорт, Генри Мур, Бен Николсон, Эдвард Уодсворт, критик Герберт Рид, архитектор Уэлльс Коат.
Три года спустя в Лондоне прошла Международная выставка сюрреализма (1936), одним из главных организаторов которой был Пол Нэш. В статьях того времени его даже называли “English surrealist-in-chief”. Экспозиция произвела фурор в британской столице: в ней участвовали главные сюрреалисты мира: Андре Бретон, Сальвадор Дали, Хуан Миро, Макс Эрнст, Джорджио Кирико, Поль Элюар, Манн Рэй. Открыл выставку в Новых галереях Берлингтона при стечении двух тысяч человек сам «папа сюрреализма» – Андре Бретон. Более 400 картин, рисунков, скульптур и объектов 68 авторов (23 из них – англичане), притягивали в залы толпы посетителей. И все же Сальвадор Дали и здесь побил рекорд: о его лекции «Подлинные параноидные фантазии» написали все столичные газеты. И то сказать, великий провокатор подготовил отменный антураж: одетый в водолазный костюм, с радиатором на шлеме, кинжалом на поясе, бильярдным кием в руке и двумя волкодавами на поводке, художник вещал на французском через громкоговорители.
Недоумение по поводу своего прикида Дали разъяснил необходимостью «погрузиться в глубины духа». И хотя художник чуть не задохнулся в шлеме во время речи, он остался чрезвычайно доволен английской публикой: «Сюрреализм становится на удивление модным в Лондоне, поскольку пробуждает скрытые “атавизмы”, глубоко запрятанные в английской традиции Уильяма Блейка, Льюиса Кэрролла, прерафаэлитов, etc.», – отметил он в письме другу.
Что возвращает нас опять к творчеству Нэша. В последние годы в его работах вновь проступает неистовый романтик Блейк. Поэма Блейка 1794 года “Ah! Sun-flower” вдохновила художника на серию холстов. Гигантские подсолнухи Нэша подобно планетам переживают затмения и солнцестояния, но неразрывно связаны с небом и землей. И Вселенной, которую Нэш всю жизнь создавал в странных, меланхоличных мистических картинах английского ландшафта.
Paul Nash
до 5 марта 2017
Tate Britain
Millbank, London, SW1P 4RG
www.tate.org.uk
Художник Пол Нэш в «старом Тэйте».
~ Стихи и проза (Публицистика) Пол Нэш в Тэйт Галлери.Пол Нэш в «Википедии»:
Пол Нэш (1889, Лондон — 1946, Боскомб, Хемпшир) — английский художник, иллюстратор,
дизайнер и критик.
Прославился своими выдающимися
картинами на тему первой
мировой войны, изобличающих
разрушение природы человеком. В межвоенные годы Нэш стал активным
представителем авангарда. Написал множество пейзажей, в которых
представлены видения сна, а реальные предметы накладываются на выдуманные.
В 1933-ем году сформировал группу
Unit One («Объединение один»), целью которой была популяризация современного
искусства, архитектуры и дизайна. Наиболее передовыми тогда представлялись абстрактное
искусство и сюрреализм, сам Нэш в середине 30-х работал в обоих
направлениях. Участвовал в организации Международной выставки сюрреалистов
1936-го года. Первая и единственная групповая выставка Unit One была проведена
в 1934-м году и сопровождалась выпуском книги Unit One.
Художник Пол Нэш, будучи офицером на фронтах
первой мировой войны, начинал как хроникёр военных ужасов Первой мировой войны,
чем и заинтересовал военное министерство Англии. Вначале, работал пером и
кистью на бумаге.
Долгое время, Пол
Нэш находился под сильным влияние Вильяма Блейка, немножко сумасшедшего английского
художника, гравера и поэта. С первого взгляда на «молодые» картины Пола Нэша,
кажется, что это некий современный Блейк, тяготеющий к символизму в попытках
выразить сложность и мифологичность мира, через фантастические образы, с
последующим объяснением их через поэтические фигуры!
Но так оно и есть и потому, молодого Нэша
можно считать реалистом. Но геометризм, уже в его ранних работах, заставляют предвидеть его дальнейшее творческое развитие в сторону нефигуративной живописи, наполненной символическими фигурами, несущими в себе отражение изломанного сознания человека, изувеченного ужасами современного существования, невыразимого в формах традиционных, рожденных в эпоху Ренессанса.
Потом появился цвет и художник начал писать маслом о тех же ужасах войны, которые благодаря светлому колориту таких работ, при всей жути изображаемых ландшафтов, производят ещё и надежды на оптимистическое будущее. Ведь война не продолжается вечно…
Тут, для сравнения, можно противопоставлять этот «живописный» тупик, в который, после первой мировой войны заходит западное искусство, развитию в СССР «социалистического реализма», полного нарочитого оптимизма и желания помочь становлению страны и объединения народа.
Эта тема, пока не нашла своих исследователей, хотя, может во многом прояснить некоторые социальные противоречия, возникшие в двадцатом веке и связанные с эволюцией социальных систем управления, появившихся после Русской революции 1917- ого года в разных странах мира…
Следующий этап творчества Нэша, связан эмоционально, с окончанием войны и любованием миром, воздушно прекрасным во всех его проявлениях, который мы в обычное время, за пеленой забот и мелких треволнений, в суете рутинной жизни просто не замечаем. А люди прошедшие войну и оставшиеся в живых, очень остро воспринимаю это состояние тишины, благообразия и красоты окружающей человека.
Тем, кто не воевал, не сидел в грязных окопах, не терял своих друзей в этой бойне, трудно понять безграничный оптимизм воинов, наконец дождавшихся мира и радующихся своей удаче. И вместе, их сознание изувеченное увиденным и пережитым на фронте, борется с ранами памяти, долго незаживающих.
Наверное, поэтому, лес и деревья становятся постоянной темой творчества Нэша. Ещё в военных работах, Нэш показывает не только трупы людей и разрушенную военными действиями землю, но прежде всего изувеченные обстрелами деревья, которые становятся на его картинах символом разрушительной сущности любой войны.
Творчески эволюционируя, в тридцатые годы художник становится одним из видных сюрреалистов – авангардистов.
И каким-то странным образом, творчество Нэша и его друзей, сама сущность сюрреализма, предсказала начало новой мировой войны и все её ужасы, абсурд и материальный хаос, так непохожий на нормальные мирные ландшафты и обычную жизнь людей в мирное время.
…В конце жизни, этот художник возвратился к фигуративной живописи, полной символов и аллегорий, часто превращающихся в попытки изобразить природу и бытие человека через живописные фантазии, воплощающие осколки снов и мечтаний об утраченном человечеством, земном рае!
…Но помимо русла человеческой истории в котором пребывают все люди, в том числе и художники, одним из определяющих факторов развития живописи, был и остаётся момент «заказа», который во многом, ещё со времён древних определял направление развития живописи.
В эпоху Ренессанса, определяющим направлением живописи был так называемый «волшебный реализм», заказчиками которого были богатые аристократы и торговцы.
Живопись, в определённом смысле выростала из иконографии, постепенно развивая навыки и способности художников изображать окружающий мир. Уже в семнадцатом веке, все галереи и салоны богатых людей были полны картин изображающих и природу, и человеческие тела, и лица, как бы в волшебном освещении гуманизма и религиозного оптимизма.
Более того, живопись после ренессансной эпохи, как мне кажется, благодаря заказчикам, постепенно дрейфовала от строгости и скромности религиозных сюжетов в сторону гедонизма и даже порнографии. (Об этом в другой статье).
Но начиная с двадцатого века, в мир вторглись страшные мировые войны, которые были не похожи по своим ужасным последствиям на войны средневековые. В Мировых войнах от воли одного человека ничего не зависело и эти «побоища» были следствием социальных перемен и катаклизмов, разрушивших традиции и религиозные составляющие жизни современного человека!
Этот воплощенный апокалипсис в виде мировых войн, толкнул развитие искусства в сторону дегуманизации, которое прежде всего выражено в искусстве авангарда, озабоченного желанием удивить и напугать неосторожного обывателя, рискнувшего стать заказчиком и зрителями таких художественных опусов.
Кто – то из философов сказал, что после ужасов мировых войн, мы уже не можем оставаться гуманистами! И это было выражено не только в живописи, но и в послевоенном искусстве, вообще.
…Но повторяю, в двадцатом веке появились заказчики и любители изображений абсурда современной жизни и этим можно объяснить взлеты и падения того, что мы сегодня называем «современным искусством».
А во времена Нэша, поиск новых форм и средств их выражения, объединили группу художников и скульпторов в сообщество названное «Юнит Ван». И такие объединения в борьбе за признание новых форм и методов выражения в мире живописи, тоже были следствием зарождения абстрактного и символического искусства.
Выставки устроенные членами объединениями привлекли как сторонников так и противников нового направления в живописи. Сегодня, эти имена уже стали классикой авангарда, и одной из значительных фигур такого направления в живописи стал Пол Нэш.
…Остаётся добавить, что выставка демонстрируется в здании старой «Тэйт галлери», во дворце который олицетворяет богатство и архитектурные излишества присущие началу двадцатого века. Если сравнивать его с новым «Тэйтом», размещённом в старой тепловой электростанции, то невольно возникает ассоциации — сравнения живописи Ренессанса и современного авангарда…
…Мы вышли с выставке уже в темноте и после длинных часов, проведённых в обществе дивных и часто страшных фантазий Пола Нэша, бросилась в глаза удивительная и привычная уже панорама высоток и множество людей на улицах Лондона, которые торопились после работы домой…
Эта подсвеченная электрическими огнями панорама, своим геометризмом, игрой света и тьмы, особенно ощутимой при изобилии электрических и электронных реклам, напомнила картины современных художников, вдохновляемых в своем творчестве материальными и социальными изменениями, произошедшими за последние столетия и преобразившие мир до неузнаваемости!
Остальные произведения автора можно посмотреть на сайте: www.
russian-albion.com
или на страницах журнала “Что есть Истина?»: www.Istina.russian-albion.com
Писать на почту: [email protected] или info@russian-albion
Февраль 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков
Нэш, Пол, 1889–1946 гг. | Art UK
Фото: IWM (Имперские военные музеи)
Менин Роуд 1919
Пол Нэш (1889–1946)
IWM (Имперские военные музеи) (b Лондон, 11 мая 1889 г.; d Борнмут, Хэмпшир, 11 июля 1946 г.). Английский художник, книжный иллюстратор, писатель, фотограф и дизайнер. Нэш был одним из самых самобытных британских художников своего периода, заняв видное место в английской традиции глубокой привязанности к сельской местности и в то же время творчески откликнувшись на европейский модернизм.
Он видел себя преемником Уильяма Блейка и Тернера. После обучения в школе Слэйда он участвовал в Первой мировой войне, был ранен и работал официальным военным художником. конфликта («Мы создаем новый мир», 1918, Имперский военный музей, Лондон).
Хотя его более поздняя карьера была разнообразной и выдающейся, многие критики считают, что его картины о Первой мировой войне отмечают вершину его достижений. В 1920-х и особенно в 1930-х годах он находился под влиянием сюрреализма (прежде всего де Кирико, выставку работ которого он видел в Лондоне в 1928 году) и часто концентрировался на таинственных аспектах пейзажа («Поле монстров», 1939, Дурбан, штат Джорджия). Большую часть этого времени он жил в сельской местности (Кент, Суссекс, Дорсет), основывая свои работы на сценах, которые он хорошо знал, но творчески преображая их. Тем не менее, он продолжал участвовать в лондонском мире искусства, а в 1933 году он был инициатором создания Unit One; он также помог организовать и выставлялся на Международной выставке сюрреалистов в Лондоне в 1936 году.
Во время Второй мировой войны он снова был официальным военным художником. Он уже был очень болен астматическим заболеванием, которое и убило его, но среди его военных работ был признанный шедевр «Totes Meer» («Мертвое море») (1940–1, Тейт, Лондон), на котором изображены сбитые самолеты с крыльями, похожими на волнообразные волны. Нэш считался одним из лучших книжных иллюстраторов своего времени; он также проектировал декорации, ткани и плакаты, был фотографом и писателем, его книги включали путеводитель по Дорсету (1936). Его брат Джон (1893–1977) также был художником и иллюстратором, преуспев в кропотливых цветочных рисунках для ботанических публикаций. Как и Пол, он был официальным военным художником в обеих мировых войнах.
Источник текста: Оксфордский словарь искусства и художников (Oxford University Press)
Посреди разворачивающегося насилия начала двадцатого века британские художники изо всех сил пытались изобразить современную войну, используя любой традиционный визуальный стиль.
Куратор и писатель Дэвид Бойд Хейкок смотрит на одного из самых известных военных художников страны, Пола Нэша.
Видео предоставлено: HENI Talks
Оксфордский национальный биографический словарь
Биография на сайте Oxford Art Online
Биография в Википедии Биография от Лисс Ллевелин Художник, гравер, фотограф и писатель. Родившийся в Лондоне, но выросший в Бакингемшире, он учился в Политехническом институте Челси в 1906–1907 годах, в Болт-Корт на Флит-стрит в 1908–1910 годах и в школе Слейда в 1919 году.10-11. Он участвовал в боевых действиях во время Первой мировой войны и был назначен официальным военным художником с винтовками художников. После этого его взгляд на пейзаж радикально изменился, и он создал выдающуюся запись разрушенного войной пейзажа, свидетелем которого он был во Франции.
После Первой мировой войны работы Нэша, как и его брата, были воспроизведены в журналах Art & Letters и The Apple и представлены в малоизвестной Лиге служб искусств. Но в 1923 году у него случился нервный срыв, и он выздоровел в Димчерче, Кент, где он рисовал и рисовал теперь уже известное море и его стену. К 19В 29 лет он заинтересовался фотографией, как видом искусства, так и средством для рисования. В некоторой степени он находился под влиянием сюрреализма в середине 1930-х годов и выставлялся на крупных выставках сюрреалистов, а также был одним из основателей недолговечного, но влиятельного Unit One в 1933 году и, как таковой, помощником французского движения Абстракция-Творчество. Нэш был президентом Общества промышленных художников с 1932 по 1934 год и входил в состав комитета первой Международной выставки сюрреалистов, проходившей в New Burlington Galleries в Лондоне в 1919 году.36 и проводил выставки в галереях Redfern и Leicester Galleries, а также показывал на Венецианской биеннале в 1938 году.
Неоромантический стиль. За плодотворную выставочную карьеру его первая персональная выставка состоялась в галерее Carfax в 1912 году. В следующие несколько лет Нэш работал с Роджером Фраем в Omega Workshops, и он стал членом Friday Club и LG, NEAC, PS, SWE. , LAA и позже AIA. Он также выставлял свои работы времен Первой мировой войны в галерее Goupil в 1919 г.17. Его педагогическая карьера включала время в Школе рисования Раскина в Оксфорде под руководством его друга Альберта Резерстона, 1920-23, и Королевском колледже искусств, 1924-25 и снова 1938-40. В межвоенные годы Нэш работал над многими книжными иллюстрациями, включая желанные «Погребение в урнах» и «Сад Сайруса». Работы Нэша стали известны широкой публике в 1950-х годах, когда некоторые из рисунков были напечатаны издательством Curwen Press. Выставка картин, акварелей и графических работ Пола Нэша прошла в Художественной галерее Йорк Сити, которая побывала в Blond Fine Art, Лондон, и Минорис, Колчестер. Галерея Тейт, AAG, IWM, Музей Фицуильяма, Кембридж, Художественная галерея Болтона, Художественная галерея Брайтона, Художественная галерея Карлайла, Художественная галерея Глинна Вивиан, Хепворт-Уэйкфилд, Художественная галерея Лимингтон-Спа, Галерея Паллант-Хаус, Чичестер, Музей Королевских ВВС, Хендон , Музей и художественная галерея регби, Художественная галерея Рая, Художественная галерея Суиндона, Ольстерский музей, Художественная галерея Уитворта, Манчестер, а также крупные музеи и художественные галереи по всему миру хранят его работы.
Его братом был художник Джон Нэш.
С благодарностью artbiogs.co.uk
Биография от Лисс Ллевеллин
Художники по жанру: Пейзаж — WikiArt.org
Пейзаж как жанр — это изображение природной сцены, не подчиненное рассказу. Художники рисовали природу с древних времен, но в западном искусстве этот предмет считался второстепенным до Голландского Золотого века.
На протяжении веков художники использовали различные техники для изображения пейзажа, чтобы удовлетворить самые разнообразные коммуникативные потребности. В египетском, а затем и в греческом искусстве были примеры пейзажа или элементов, взятых из него, например, нилотский пейзаж на папирусе , найденный в гробнице Менны (ок. 1420 г. до н. э.), или фрески Акротири (ок. 1500 г. до н. э.). ) тоже с речной тематикой.
В римском искусстве этот жанр стал приобретать автономный характер.
Римляне рисовали пейзажи для украшения стен domus (тип домов, занятых высшим классом) с яркими цветами и сценами, полными реалистичных деталей, как на фресках виллы Ливии (до 79 г. н.э.), расположенной в Помпеях, которая представляет собой цветущий сад.
В раннехристианском искусстве вплоть до Средневековья не было примеров автономных пейзажей. В восточном и византийском искусстве природные элементы были почти устранены, заменены сусальным золотом в качестве фона сцен, а в западном искусстве пейзажи стали нереалистичным фоном. Природа рассматривалась только с символической точки зрения; пейзажи были абстрактными, плоскими и лишенными перспективного пространства, как это видно на мозаиках Сант-Аполлинаре-ин-Класс (середина VI века) в Равенне.
Эволюция ландшафта на Востоке пошла другим путем. Между 10 и 11 веками в китайской живописи тема пейзажа развилась в настоящий жанр: горы, долины, реки писались часто, на разных материалах и в разных форматах, от декоративных валиков до собственно живописи, как мы видим.
в Очищение осеннего неба над горами и долинами (1072) Го Си.
На Западе, в 14 веке, в Тоскане представление пейзажа снова стало реалистичным под влиянием фигуры святого Франциска и его поэмы Il Cantico delle Creature (1224). Эта поэма была одой Богу, в которой святой восхвалял его за все, что он сотворил, как природные стихии, животных, растения, плоды земли. Это стихотворение было настолько известно, что оказало влияние на итальянское и западное искусство, вернув реальность природы в глаза живописцам, которые стали изображать ее более реалистично.
В Интернациональной готике это направление распространилось в Европе. Пейзаж остался фоном, но он был богат деталями и выдержан в размерах. Он взял на себя фундаментальную роль показа работы человека и его господства над природой, образа творческой деятельности Бога, который в начале Бытия создал природную реальность и Эдемский сад. Средневековые пейзажи изображали жизнь в городах и работу в деревне, как в Эффекты хорошего правительства в городе (1338-39) и Эффекты хорошего правительства в сельской местности (1338-39) Амброджо Лоренцетти.
В эпоху Возрождения изображение пейзажа приобрело новые технические и формальные характеристики. Художники усовершенствовали реалистичное изображение природы, используя технологические инновации. Изобретение Филиппо Брунеллески линейной геометрической перспективы приблизило пейзажи к реальному миру, как на фресках Мазаччо в капелле Бранкаччи (1424-28). Пейзаж стал неотъемлемой частью картин. Он использовался художниками как место для символического языка: Пьеро делла Франческа в 9 в.0047 Воскресение Сан-Сеполькро (1450-63) сообщает о победе Христа над смертью с проходом между голыми деревьями и цветущими деревьями.
Затем воздушная перспектива, которую изучал Леонардо да Винчи, ввела в искусство восприятие атмосферы, влажности воздуха и постепенного удаления и размытия цветов. Его картина «Богородица с младенцем и святой Анной» (ок. 1503 г.) — один из шедевров, в которых он превосходно применил эту технику для изображения горного хребта на заднем плане. С Джорджоне и его Буря (около 1506 г.
), итальянское искусство открыло возможность «изображать живые и естественные вещи без рисования перспективы», как писал Джорджо Вазари.
В то же время в центральной и северной Европе такие фламандские мастера, как Ян Ван Эйк ( Поклонение Агнцу , 1432) или Иоахим Патинир ( Пейзаж со святым Христофором , ок. 1520), взяли новый курс в представление о пейзаже. Они могли за минуту запечатлеть детали яркими красками, используя новое изобретение: масляную живопись.
В 16 веке пейзаж постепенно становится главным действующим лицом изображений, но только в 17 веке он превращается в самостоятельный жанр. Строгие правила Контрреформации повлияли на искусство, осудив его декоративные и антиморальные аспекты. Великие астрономические открытия, начиная с Галилея, изменили видение человека и его отношения с миром и вселенной, показав величие космоса. Затем произошел взрыв пейзажной живописи: этот жанр был нейтральным по своему содержанию и служил для демонстрации новых знаний.
Даже в библейских сценах сакральный сюжет становился небольшой частью картин, уступая место изображению природы и мироздания, наблюдаемых и изображаемых в ее ярких деталях, как в произведении Адама Эльсхаймера, которое в Бегство в Египет (ок. 1609 г.), запечатлевшее на холсте первое видение Млечного Пути.
Однако официальное принятие пейзажной живописи в Академию художеств произошло благодаря французу Пьеру-Анри де Валансьену. В 1800 году он опубликовал книгу « Элементы практики перспективы» , в которой преследовал эстетический идеал исторического пейзажа, который должен был основываться на изучении реальной природы. Следующие поколения французских художников посвятили свое искусство пейзажу: наиболее значительным примером был Жан-Батист-Камиль Коро. Среди его выдающихся пейзажей Мост в Нарни (1826 г.) или Вид на лес Фонтенбло , (1830 г.).
В начале 19 века, с распространением романтизма, жанр пейзажа транслировал романтическое видение природы, схваченное по идее природного «возвышенного».
Он видел природу как силу, превосходящую человека, пойманную во всем своем величии, которая порождает удивление, трепет и влечение к своей силе. Мы можем наблюдать это в картинах Каспара Давида Фридриха, таких как Аббатство в Оквуде , (1809 г.) или Меловые скалы на Рюгене (1818 г.).
В это же время в Англии Уильям Тернер выставил свои картины и представил их в Королевской академии. В таких полотнах, как Снежная буря (ок. 1842 г.) или Озеро, Петворт, Закат; Sample Study (c. 1827-28) Подход Тернера к свету и цвету был настолько революционным, что художника теперь помнят как «художника света».
За последние 30 лет 19го века изобретения, сделанные промышленной революцией, нашли отражение в культурных движениях того времени. Рождение фотографии позволило точно воспроизвести реальность и присоединилось к живописи как новой художественной технике. Изобретение краски в тюбике позволило художникам работать на пленэре . Городское развитие изменило ландшафт, создав новые виды.
Таким образом, пейзажная живопись стала одним из самых популярных жанров, особенно среди импрессионистов, таких как Моне, Мане, Писсарро, Ренуар, Сислей. Они исповедовали прямое наблюдение за ландшафтом и использовали быстрые методы, чтобы запечатлеть изменение света в течение дня и ночи. Одним из самых известных пейзажей группы стал Impression, Sunrise (1872) Моне, что стало источником названия движения. Их работы открыли путь революционным постимпрессионистским пейзажным видениям Ван Гога, Гогена и Сезанна.
В начале 20-го века изображение пейзажа в искусстве снова изменилось с приходом авангарда, который стремился порвать с традицией и техническими правилами. В кубизме пейзаж был одним из главных сюжетов. Наряду с натюрмортом и портретом пейзаж подвергался процессу визуального анализа и синтеза. Такие художники, как Брак в его Дома в Эстаке , (1908) или Пикассо в его Домах на холме (1909), одновременно изобразил все ракурсы, с которых наблюдал объект картины.
Понятие времени как хронологии событий также было преодолено. Таким образом, образы были структурированы и геометричны, внимание художника было сосредоточено на форме. Цвета, как правило, были не очень живыми, а перспектива наблюдения была свободной и не изображалась прямо.
Абстрактное искусство еще больше отошло от изображения объективной реальности и стало передаваться через элементарные формы и цвета. Однако некоторые художники вызывали воспоминания о природе, которую можно увидеть среди форм и цветов, как, например, в картине Пауля Клее «9».0047 Пейзаж с флагом (ок. 1915 г.) или в импровизации Василия Кандинского 9 (1910 г.).
В сюрреализме пейзаж отделился от того, что можно наблюдать, и стал местом значений, связанных с видением мира бессознательного, где все кажется приостановленным во времени, как на картине Магритта Домен Арнгейма (1962) или Сальватора Дали Без названия. Пейзаж (1948).
В современном искусстве наиболее ландшафтно-ориентированным направлением является лэнд-арт, где природа стала единственным главным героем, произведением искусства.